Tensiones y representaciones en la enseñanza de la música contemporánea en clases con ingresantes a las carreras universitarias de música. Las oposiciones vanguardia/industria cultural, música popular/música académica.

Director: Daniel Belinche.

El proyecto Tensiones y representaciones en la enseñanza de la música contemporánea en clases con ingresantes a las carreras universitarias de música pretende establecer un recorte en torno a contenidos nodales en el desarrollo de la asignatura Introducción a la Producción y el Análisis Musical. Los contenidos correspondientes a la tercera y la cuarta unidad (la producción musical a partir del siglo XX) suelen abordarse a partir de ciertas oposiciones (innovación/identidad- masividad/elitismo) que serán examinados para establecer rasgos comunes, nexos y diferencias que aporten un material mas ajustado a las características del nivel curricular. El objetivo final es producir un texto de nivel introductorio para una materia común a todas las carreras de música de la Facultad de Bellas Artes que es correlativa del primer año de las carreras de Composición y Música Popular. El posicionamiento estético de la carrera de Composición está orientado a la experimentación formal y abreva de la tradición de las vanguardias y de las post vanguardias del siglo pasado, mientras que en Música Popular se estructura a partir del estudio y la producción de la música urbana no académica generaba fundamentalmente en América Latina. Se trata de una cursada de casi mil estudiantes, lo que le imprime al posible interés teórico de la investigación un potencial impacto relevante. 

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El centro latinoamericano de altos estudios musicales (Di Tella) en la escena musical Argentina y latinoamericana de la segunda mitad del s. xx .

Director: Edgardo José Rodriguez

Este proyecto de investigación es el resultado de varios anteriores (B215, 11-B174 y B277, todos dirigidos por el Ing. Gustavo Basso y codirigidos por Dr. Edgado J. Rodriguez en los que hemos definido progresivamente el objeto de estudio que proponemos lo que sigue. En ese sentido continuaremos con alguna de las tareas ya iniciadas y desarrollaremos otras novedosas. Hemos planeado profundizar el análisis de la obra M. Etkin, F. Kropfl y L. Arias. Al mismo tiempo incorporamos a la pesquisa la producción de los ex becarios del CLAEM O. Bazan (1936- 2005) y G. Paraskevaidis (1940); las obras de C. Saitta (1944) y J. Viera (1943) que si bien no participaron directamente del Centro Latinoamericano de Altos Estudios Musicales (CLAEM), son contemporáneos y fueron formados por algunos de sus más conspicuos becarios (durante el bienio 1969- 1970 y 1963- 1964, respectivamente). Los tópicos generales que se estudiaran son: las preocupaciones sobre la materialidad sonora y la temporalidad en la obra de M. Etkin con una consideración específica de su relación con los escritos R. Kusch referidos a las ideas de “ser” europeo y “estar” americano. La aplicación compositiva de la técnica de micromodos desarrollada por F. Cropfl en sus obras y las de J. Viera. La poética del control estadístico y semialeatorio en la producción de los 60 de L. Arias. Las composiciones de O. Bazan y el desarrollo de su idea de minimalismo “austero”. La estética compositiva en torno de los instrumentos de percusión y el tratamiento de la forma en obras de C. Saitta. La vehiculación de lo político y su relación en la poética de G. Paraskevaidis (becaria durante el bienio 1965- 1966) y C. Aharonian. La tensión dialéctica entre lo local y lo global (reformulable como la tensión entre lo latinoamericano y lo europeo, o más específicamente lo alemán) en obras representativas de M. Maiguashca. El corpus previsto inicialmente se concentrará en las obras musicales producidas durante el período que se extiende desde el desarrollo del Centro hasta los años 90 del s. xx. Por su parte se abordarán todos los textos con relevancia estética que los autores estudiados hayan escrito independientemente del año en que hayan sido publicados.

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Silencios retardados en sonoridades permanentes. De la pretendida unión hemisférica al control institucional de la música latinoamericana en las universidades norteamericanas.

Directora: María Elena Larregle.

La relación comercial y diplomática de los Estados Unidos de Norteamérica para con Latinoamérica tiene casi doscientos años. Desde 1823 la Doctrina Monroe orienta la relación diplomática del Imperio hacia Latinoamérica. Esto no es producto de una causa de unificación sino que es una respuesta frente a cualquier intervención o re colonización por parte de Europa. La creación de departamentos comerciales o acuerdos de libre comercio entre las naciones ha sido una iniciativa de EEUU desde finales del siglo XIX, acompañando la constitución de los estados nación en América Latina. A partir de estos intentos de vinculación- nunca en paridad- los EE. UU. han demostrado tener disposición para la promoción de su cultura musical y conocimiento de lo que consideran la música latinoamericana. Tal interés se manifiesta en el marco del Panamericanismo (1924), luego del Interamericanismo (1939), y a posteriori en los Latin American Cultural Studies (1980). En todos los casos el interés declarado llega a la creación de departamentos dedicados al estudio de la música latinoamericana en universidades norteamericanas que financian publicaciones, investigaciones, congresos, jornadas, festivales, grabaciones y hasta promocionan artistas determinados y representativos de algún género en particular.

Asimismo, gran parte del desarrollo musicológico latinoamericano ha estado influido por las producciones generadas en los departamentos universitarios norteamericanos y /o en las agencias de los organismos internacionales de cooperación hemisférica (OEA). Mientras algunos compositores de música de tradición escrita y de origen latinoamericano lograron la ejecución de algunas de sus obras en el país del norte, otros fueron becarios en las instituciones que financiaban las fundaciones norteamericanas en base a las técnicas de las vanguardias surgidas al abrigo de la Guerra Fría. La música popular constituyó el principal interés en los musicólogos y etnomusicólogos norteamericanos. Este proyecto de investigación, en tanto que búsqueda de constantes (Samaja), pretende analizar las correspondencias (Hauser) históricas entre producción musical latinoamericana y teorización realizadas por las instituciones norteamericanas dedicadas a su estudio. Buscará comprender las bases argumentales que sustentan las miradas o escuchas historiográficas sobre la música latinoamericana, hegemónicas en la formación musical de nivel superior y en los imaginarios sociales acerca de nuestra historia sonora.

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Trabajos de Graduación en el Taller de Grabado y Arte Impreso entre 2007 y 2014. Un enfoque centrado en técnicas y conceptos que aporten al proceso de enseñanza
Director: Beccaria, Horacio
Los trabajos de Graduación (TG) los estudiantes de Grabado y Arte impreso (GYAI) muestran producciones con fuertes rasgos contemporáneos como la heterogeneidad de materiales, la mediatización, la presentación en ámbitos especiales, la creación colectiva y una fuerte conexión con lo conceptual y lo teórico. Estas características influyen en la elaboración y evolución de los procesos técnicos específicos, promoviendo un nuevo contexto que cuestiona desde los mecanismos de interacción entre los actores hasta las pautas de validación. Este proyecto pretende determinar cuáles son los aspectos principales de ese proceso y como se desarrolla, tanto en su faz de producción, circulación y reconocimientos de la obra artística, así como el proceso de enseñanza. Cuáles son las modificaciones, tanto instrumentales como conceptuales que están implicadas a la hora de llevarse adelante, constituyen el objeto de estudio. La fuerte referencia al contexto hace que la teoría constructivista social, sea la más adecuada para abordar las particularidades de este momento de finalización de la carrera, a fin de brindar nuevas herramientas para el trabajo académico que acompaña este especial momento de formación.

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La dirección de arte en las producciones audiovisuales autogestivas bonaerenses (período 2011-2020) .

Director: Edgar De Santo

Desde el punto de vista de la formación de los realizadores y directores de fotografía, tradicionalmente, la asignatura escenografía para cine, se constituyó en una parte de la formación de los realizadores visuales, que desde los orígenes mismos del cine, estuvo vinculada a la creación de espacios escénicos.

La industria hollywoodense, entre otras, ha atravesado la construcción de las producciones cinematográficas locales, proponiendo ejemplos o modelos de trabajo estereotipados que en la mayoría de los casos, pretenden homologar roles y ámbitos de injerencia que no siempre funcionan en la práctica concreta, y en la mayoría de los casos, ni siquiera responden a las necesidades propias de nuestras realizaciones y de los espacios de formación de los realizadores.

Esta práctica ha traído aparejada una problemática que excede el campo general de la formación de realizadores y fotógrafos, persistiendo aún cierta confusión que propende a concebir un director de arte, confinando a la construcción o realización de escenografías y maquetas.

Es indudable que a partir de la complejización de la construcción audiovisual (soportes, cámaras, practicas narrativas, paradigmas estéticos, etc.) La Dirección de Artes se ha visto transformada y superada conceptualmente, debiendo abordar en la actualidad, todos aquellos aspectos plásticos propios de las construcciones visuales tanto del espacio profilmico, como asimismo, de los que corresponden a otras etapas de la producción.

En línea con el cambio y en vinculación con las transformaciones en los modos de producción que la Ley de Medios ha propiciado, se constituye como un aporte sustancial en la investigación, con un enfoque actualizado del área e implicancias acorde a las necesidades que de un campo laboral que va desde las concepciones de pequeños grupos de gestión.

En este sentido, el enfoque se pretende construir desde la Dirección de Arte y Diseño de Producción, a punta a trabajar en base a la materialidad del mundo que se presenta delante de la cámara, atendiendo las nuevas variables que impactan en el desarrollo de esta disciplina y estableciendo premisas básicas en cuanto a los modos de producir que podrán presentarse ya sea en relación a un canon preexistente con el cual puede existir el mayor o menor medida cierto acuerdo o bien, en franca oposición con el mismo; interrogará acerca de las cuestiones del orden no físico planteadas en su composición y finalmente tendrá en cuenta el contrato social que se establecerá a partir de lo realizado. Se trata de propiciar desde el comienzo un equilibrio entre la producción y la reflexión crítica.

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Transiciones y tránsitos en el cine contemporáneo. Relocalizaciones, apropiaciones y continuidades de una experiencia en expansión entre el mundo del arte y los nuevos medios .

Director Eduardo A. Russo. 

Bajo las figuras de transiciones y tránsitos, el proyecto propone investigar las transformaciones, desplazamientos y reconfiguraciones que atraviesa la experiencia cinematográfica contemporánea, en relación con dos fenómenos decisivos y simultáneos. En primer término, el relativo a los modos de expansión y metamorfosis que el cine hoy protagoniza en un entorno radicalmente alterado por los nuevos medios. Un cine revitalizado, sobreviviente de los pronósticos que hace sólo un par de décadas profetizaban su decadencia y disolución, se encuentra en un estado transicional a través de un enjambre de pantallas de creciente diversidad y ductilidad, desde aquellas de las salas tecnológicamente renovadas, pasando por las alternativas rediseñadas y altamente conectadas en los espacios hogareños, hasta las múltiples posibilidades de los medios locativos. Por otra parte, el cine, en tanto experiencia que comporta una dimensión artística identificable, sostiene notorias continuidades, aún en sus mismas dinámicas de transformación, se expande y relocaliza al inicio de su segunda centuria en nuevos territorios, muchos de ellos compartidos con aquellos propios del arte contemporáneo (museos, galerías, archivos), donde encuentra nuevas plataformas de relanzamiento. Como experiencia reconfigurada en sus producciones actuales por la acción de prácticas apropiacionistas compartidas con otras formas artísticas, resituando sus imágenes y dispositivos en una reinvención acelerada y relanzando al cine hacia nuevas fronteras, este juego de lugares cambiantes incorpora un estado de tránsito verificable entre nuevas y viejas imágenes, entre la reestructuración de prácticas autorales y espectatoriales, y entre la creación renovada de obras y situaciones artísticas. Estos desplazamientos requieren su indagación mediante actualizados recursos críticos y teóricos. El objetivo del proyecto consiste en interpelar al entorno audiovisual presente desde los movimientos y reubicaciones desplegadas desde un legado común, aquel que permite reconocer en el cine una práctica crítica de la mirada y la escucha elevada a una forma artística, reinventada por las transiciones expansivas que lo promueven como experiencia de creciente peso en el mundo del arte contemporáneo y en el despliegue proliferativo de los nuevos medios.   

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La composición, el arreglo y la interpretación en la música popular. Identificación y articulación de los momentos de producción en el marco de la enseñanza en el nivel superior .

Director: Alejandro Polemann.

La formación institucionalizada en música popular ya no representa una novedad para los entornos académicos argentinos. Gran parte de las últimas carreras abiertas en el país están cerca de superar una década de trabajo. Sin embargo, tiene plena vigencia la tensión entre la aplicación de modelos pedagógicas basados en la tradición centro europea o norteamericana y la necesidad de delinear recorridos específicos adecuados para el estudio de músicas populares, principalmente en el marco latinoamericano. En consecuencia esta investigación propone la individualización y articulación de los momentos, estadios o dominios de la producción musical como son la composición, el arreglo y la interpretación en un abordaje superador que rompa la dicotomía de la división del trabajo en tareas enmendadas, que habilite una mirada integral del músico popular y consecuentemente del estudiante de música popular, y que pueda cristalizar los resultados en abordajes pedagógicos y materiales didácticos que transiten los interrogantes particulares que impone la enseñanza de la música popular latinoamericana.    

 

“Fundamentos estéticos” y su inclusión en los Planes de Estudio de las carreras universitarias de Artes

Directora: Silvia Susana García

La cultura contemporánea se arraiga en una compleja trama de múltiples ejes y relaciones no lineales, en la que confluyen una diversidad de lenguajes, tiempos y proyectos. Si bien esta complejidad es la que define nuestros tiempos, no podemos dejar de reconocer que los proyectos del hombre tienen un asentamiento cultural desde donde es posible abrir el presente y proyectar su futuro. Por medio de la praxis va sedimentando su experiencia del mundo mediante la producción de imágenes y objetos que constituirán anclajes tanto materiales como simbólicos y logrando de este modo, su pertenencia, su identidad.

Entre otros factores, nuestra época ofrece también una intensa problematización de la figura tradicional del artista y del estatuto de la obra. La crisis de la obra aurática condujo a la volatilización del arte y al triunfo de la estética (Michaud, 2007). La experimentación y la interrogación de los límites se entremezclan produciendo un desbordamiento de lo artístico en sus formas institucionalizadas, mientras que lo estético se difumina más allá de las fronteras del mundo de las artes. El desarrollo tecnológico acota el privilegio de la habilidad manual como elemento de valoración de la obra, el cual se desplaza a la dimensión conceptual y la fuerza poética de las propuestas.

Si el arte del siglo XX ha demostrado que cualquier, objeto, gesto o situación es susceptible de ser transformado en “obra”, este mismo postulado debería obligarnos a reflexionar sobre las posibilidades que ofrecen en la actualidad ciertas producciones que se están desarrollando fuera de los circuitos habituales, entre ellos, la red. Durante los últimos años en la práctica artística se observa un desdoblamiento entre las artes que pretenden levantar acta de lo real, redescubriendo las múltiples dimensiones de lo político y lo social, y otras que se despliegan en el terreno de la virtualidad, asumiendo con naturalidad el paisaje de los medios en el que se proyectan las nuevas tecnologías. (Marchán Fiz, 2006).

A estos cambios debemos sumar el hecho de que el público ha dejado de tener el carácter homogéneo que lo caracterizaba en sus inicios, presentando más bien en la actualidad un carácter intensamente plural y heterogéneo.

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Acústica de espacios no convencionales. música para sitios específicos.

Director: Gustavo Jorge Basso

El proyecto que aquí se presenta es la continuación lógica de varios proyectos de investigación previos desarrollados en la facultad de Bellas Artes de la UNLP. En esta nueva etapa nos proponemos extender la metodología, empleada hasta ahora para analizar el comportamiento acústico de diferentes tipologías de salas diseñadas para un uso musical específico, al estudio de la acústica de espacios no convencionales cuyo origen no está vinculado expresamente con la realización de espectáculos musicales o sonoros. Se propondrán modelos acústicos de diagnóstico y predicción basados en parámetros físicos temporales, espectrales y espaciales. Dichos modelos se aplicarán tanto al análisis de sitios existentes como al diseño de nuevas propuestas. Los modelos permitirán, a su vez, analizar las posibles interrelaciones entre cada espacio y las obras que se hayan creado para ser representadas en ese particular campo acústico.

Parte sustancial del proyecto es el estudio acústico y musical de las composiciones, instalaciones de arte sonora y espectáculos multimedia creados especialmente para un sitio específico. Se analizarán puestas de obras realizadas en las últimas décadas en nuestro país en las que resultó determinante la interacción con un entorno acústico particular. Además de espacios y edificios públicos, escenarios urbanos y ambientes naturales, se van incluir también edificios diseñados en su origen para representaciones de música, como teatros y auditorios, pero usados de un modo convencional. En algunos casos va ser necesario intervenir los sitios, o redimensionar un espacio a través de la manipulación de la escena acústica, con instalaciones sonoras cuyo programa musical deba ser concebida/creado ad-hoc en función de este campo acústico particular. El concepto de “instrumento musical ampliado”, desarrollado y aplicado ampliamente en los proyectos anteriores, nos permitirá vincular las tres partes involucradas en cada intervención: la musical, la arquitectónica y la acústica.

Para poder llevar adelante el plan de trabajo estipulado se ha conformado un equipo de investigadores que incluye especialistas en acústica, arquitectura, diseño sonoro y música.

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LA DIMENSIÓN EPISTÉMICA DE LA IMAGEN DESDE UNA CONCEPCIÓN PROCESUAL, RELACIONAL Y SITUACIONAL DEL ARTE. APORTES A LA INVESTIGACIÓN Y A LA ENSEÑANZA UNIVERSITARIA DE LAS ARTES   

Directora: Paola Sabrina Belén    

 La investigación propuesta busca dar cuenta de un análisis procesual -desde lo creativo proyectivo y lo receptivoque permitirá sistematizar la experiencia artística, en el marco de una perspectiva relacional, situacional y compleja, acorde a las características propias del proceso artístico y de los paradigmas actuales del concepto de conocimiento. Se pretende, así, alcanzar un análisis de la dimensión epistémica de la imagen, a partir de las categorías de producción y recepción, y desde una selección temática de casos, que posibilitarán indagar en imágenes de diferentes espacios y momentos históricos, las cuales no serán estudiadas cronológicamente sino a través de un enfoque procesual, relacional y situacional del arte, articulador además de los aportes de diversas disciplinas (Epistemología del arte, Estudios visuales, Historia del arte, Estética y Teoría del arte). El carácter situacional implica entonces un análisis del estatuto de conocimiento del arte mediante casos concretos, situados en espacios y tiempos determinados. La construcción de indicadores de análisis desde la relacionalidad y situacionalidad, aportará reflexiones y metodologías que podrán ser transferidas y aplicadas a la investigación y a la enseñanza universitaria de las artes en sus distintas disciplinas. Este Proyecto se constituye en el seno de las cátedras Epistemología de las artes (para Artes Plásticas, Artes Audiovisuales, Diseño Multimedial e Historia de las artes -Orientación Artes Visuales-), Historia de las artes visuales 1 (para Artes Plásticas) e Historia del arte 3 (para Historia del arte) de la Facultad de Bellas Artes. Participan del mismo, docentes-investigadores de dichas asignaturas.    

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TECNOLOGÍAS DE DISEÑO DIGITAL APLICADAS A LA RESTAURACIÓN DE OBRA ESCULTÓRICA

Directora: Ciochini Patricia Ethel

Este proyecto surge a partir de la necesidad de la puesta en valor de calcos originales de esculturas (clásicas), que son patrimonio de la Facultad de Bellas Artes, de la Universidad Nacional de La Plata. La colección de esculturas -calcos en yeso y terracotas- que conforman el Área de Museo y Patrimonio dicha unidad académica, forman parte de los bienes patrimoniales que llegaron de Europa en el siglo XIX. El 90% son esculturas y el 10% restante son pinturas. Todas las obras fueron incorporadas en distintas épocas y de distintas procedencias; y algunas de las pinturas fueron donadas por los mismos ex profesores de la Facultad. El Área de Museo fue creado por la iniciativa de las autoridades de la Facultad de Bellas Artes, comenzando con sus actividades en el año 2004 e inaugurado oficialmente en el año 2007, mediante la Resolución N° 186/ 07 del Consejo Académico de la Facultad. Desde su fundación, el objetivo fundamental del Museo es la preservación, conservación, investigación y exhibición de su colección, pero también la generación de aportes teóricos y pedagógicos sobre el quehacer del arte y la resignificación de los espacios museológicos. 

Los museos, en general, funcionaban en el pasado como centros de almacenamiento de objetos y conocimientos, lugares de reunión de estudiosos, filósofos e historiadores, ámbitos de construcción de clasificaciones y categorías. En el siglo XIX surgen en Europa los primeros museos de vaciados, o gipsotecas (del griego gypsos [yeso] y theke [caja o depósito]), que tuvieron como objetivo custodiar y reunir los modelos en yeso de las obras de arte clásico, medieval y moderno más importantes y populares de la cultura occidental. Pero hoy los museos adquieren otro sentido. 

El proyecto tiene un segundo propósito: explorar cuándo y cómo la tecnología digital puede enriquecer la experiencia del museo y el aspecto educativo de una manera sostenible de acuerdo con los parámetros, los recursos y la práctica laboral de la organización. En este contexto contemporáneo, donde los museos se definen a sí mismos, el museo de Calcos de la FBA, fundamenta de manera teórica y conceptual su existencia en el siglo XXI, reafirmando su importancia y su proyección no solo dentro de la Facultad de Bellas Artes, sino como museo de puertas abiertas a la comunidad toda, instigador de nuevas apropiaciones, criterios y nuevas tecnologías.

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SABERES, PASIONES, METÁFORAS Y EXPERIENCIAS. LA FORMACIÓN DE PROFESORES EN ARTES Y EL PROBLEMA DE LA TRANSMISIÓN

Directora: AliciaFilpe         

Este proyecto se propone analizar la construcción de conocimiento en la formación de profesores en artes. Si bien esa construcción se enmarca en el problema más amplio de la formación de conocimiento profesional, resulta nodal contemplar las particularidades que caracterizan esta problemática específica.

Los miembros que integran este proyecto de investigación están vinculados con la formación docente en artes desde sus prácticas profesionales, sus formaciones de posgrado y/o sus intereses teóricos, estudios e investigaciones, por lo que esta temática los interpela y desafía tanto teórica como experiencialmente. 

La perspectiva teórica que se privilegia recoge los aportes de los estudios filosóficos, pedagógicos y artísticos que enfatizan una caracterización práctica y dialéctica de todo proceso de conocimiento, aunque se busca centralmente destacar su producción en el ámbito de las prácticas docentes profesionales vinculadas a las artes. 

Si bien esta perspectiva remonta sus antecedentes a los célebres conceptos aristotélicos de techné y póiesis, por cierto revitalizados aunque transformados en la filosofía contemporánea, nos detendremos en los aportes de dicha filosofía para revisar y poner a discusión perspectivas diferentes como la de Dewey, Schon, Benjamin, Horkheimer, Adorno, Gramsci, Bachelard y los latinoamericanos Freire y Mariátegui, entre otros autores que proponen vincular los procesos cognitivos a procesos activos del ser  humano, provistos de genuinos intereses, fines, valores, no menos que dimensiones afectivas del hacer humano. 

Una de las hipótesis que sostenemos y que resulta transversal a las mencionadas perspectivas, remite a la idea según la cual entender el conocimiento como una praxis modifica la praxis misma de toda actividad, sea ésta de carácter artístico, pedagógico, científico o de otra índole. 

Se trabajará sobre las prácticas concretas que tienen lugar en las aulas de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata, para sistematizar y analizar la producción de conocimiento pedagógico y artístico presente en los procesos de formación de profesores en artes. 

 

PRÁCTICAS CONTEMPORÁNEAS PARA LA FORMACIÓN DOCENTE EN ARTES PLÁSTICAS EN LA UNIVERSIDAD NACIONAL DE LA PLATA

Directora: Lorena Gago                                

A través de este proyecto se espera consolidar un enfoque transdisciplinario, capaz de sistematizar los conocimientos construidos sobre la enseñanza y el aprendizaje de la Plástica en la Universidad Nacional de La Plata, por medio de los aportes de las ciencias sociales. El desarrollo multidimensional propuesto, apunta a observar e interpretar aportes de las materias claves para la definición del perfil del egresado del profesorado en Artes Plásticas. Para apreciar, de modo integral, la incidencia tanto de las asignaturas pedagógicas, como de las que corresponden a la formación específica en artes visuales. Se propone obtener una muestra representativa, basada en discursos de estudiantes y docentes de la Facultad de Bellas Artes (FBA), y en sus prácticas educativas actuales. Atendemos en especial, a la función social de la formación docente en artes, y a explicitar de qué manera se da el vínculo entre esta formación y los ámbitos de desarrollo de la profesión docente con más impacto en el contexto comunitario que sirve de referencia a las prácticas formativas que comprende. La propuesta se afirma en el estudio sobre el conocimiento producido en la universidad y sus condicionamientos sociales. Dado que, como se desprende del planteo teórico-metodológico, asumimos la investigación vinculada con prácticas sociales como un esfuerzo de indagación en convenciones sociales tácitas, acuerdos implícitos, que es necesario describir, analizar y sistematizar para poner la reflexión crítica construida a disposición de la misma comunidad educativa.

 

PRODUCCIÓN Y ENSEÑANZA DE ARTES Y DISEÑO EN LA CONTEMPORANEIDAD LATINOAMERICANA EN ÁMBITOS ACADÉMICOS DE LA UNLP CON PROYECCIÓN A OTROS CONTEXTOS EDUCATIVOS ALTERNATIVOS

Directora: María Verónica Dillon

Investigar el modo de enseñar arte y enseñar a producir obras, o el modo de producir obras haciendo de esa experiencia conocimientos vinculados, requiere de un conjunto de estrategias que atraviesan tanto el estudio crítico de la bibliografía existente, como así también de prácticas concretas (de enseñanza y producción). A su vez, incluye el abordaje de aquellos textos que no existen en el papel ni han sido formulados para su análisis, pero que se manifiestan en formas de prácticas, de dispositivos de trabajo, de lógicas de interacción que se ejercen con mayor o menor eficacia, con mayor o menor reflexión -lo que podemos definir como curriculum oculto-. La Facultad de Artes de la Universidad Nacional de La Plata ofrece un diverso e importante territorio de saberes y experiencias que fundan el vínculo entre enseñanza del arte con la producción de obras, y lo hace, en particular, recuperando: 1) los ideales emancipatorios; 2) la perspectiva contextual en la que lo local y lo global interpelan sus relaciones; 3) el diálogo potenciado entre diferentes materialidades, tecnologías y estéticas. 

Apuntamos a la innovación de nuevas estrategias, renovados contenidos curriculares que, por una parte, evidencien micropedagogías silenciadas o invisibles que, pese a la riqueza -o dificultades- de sus aportes, quedan circunscritas a prácticas que no logran constituirse en conocimientos transferibles a otras y otros, y por otra parte, mejoren los índices de permanencia y egreso de estudiantes en las disciplinas y carreras de los ámbitos académicos de la UNLP.   

No se trata de la elaboración manuales prescriptivos sobre el modo de enseñar o producir tal o cual tema, acción u objeto artístico. Por el contrario, se trata de abrir el juego y ofrecer alternativas didáctico-artísticas, así como también herramientas conceptuales para desarrollar las propias. El conocimiento adquirido a través del trabajo realizado en proyectos anteriores, tributarios al presente, nos permite orientar la formación de formadores, futuros egresados, dotados de mayores herramientas para intervenir críticamente, desde el arte, en sus ámbitos de desempeño. 

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BASES EPISTEMOLÓGICAS PARA UNA HISTORIOGRAFÍA MUSICAL DESCOLONIZADA DESDE LATINOAMÉRICA

Director: Martín Eckmeyer

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LA LECTURA DE PARTITURAS EN EL PIANO FUNDAMENTADA EN PROCESOS DE COMPRENSIÓN E INTERPRETACIÓN MUSICAL. DESARROLLO DE MARCO TEÓRICO Y DERIVACIONES METODOLÓGICO DIDÁCTICAS

Director: Marcelo Enrique Arturi    

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